Materiales para técnicas de dibujo

Para entender mejor y poder experimentar con distintos materiales es necesario saber a cerca de ellos para conocer el procedimiento técnico que más nos guste o mejor se adapte a nuestra capacidad de plasmar nuestro estilo en el dibujo.

Utilizar distintos materiales sirve para expresar pictóricamente lo que pasa por nuestra cabeza o lo que vemos en distintos lugares. Una obra se valora artísticamente por su calidad y no por el valor de los materiales con que se haya elaborado. Un buen dibujo a lápiz puede ser más valioso que uno hecho con óleo, por ejemplo.

Comenzaré con los dos tipos de técnicas que podemos utilizar, éstas pueden ser secas o húmedas.

• Las secas son las que se desarrollan con materiales como grafito, carboncillo, pastel, sepia, cretas y lápices de colores. 
• Las húmedas con pincel y tinta, con pluma y tinta (plumilla), rotuladores y estilógrafos. 

1. Grafito:Es una variedad del carbón que se produce por la acción simultánea del calor y la presión de la tierra sobre el carbón, lo que provoca su cristalización. Se fabrica en lápiz o polvo. 
2. Lápices de grafito: Son la mezcla de grafito puro y arcilla. Son más duros y claros cuanta más arcilla contengan y más oscuros y blandos cuanto más grafito. Normalmente encontramos en grafito fabricado en una caña o carcasa de madera, aunque también se fabrican desnudos en barra de forma cuadrada o redonda y de diverso grosor.
3. Grafito en polvo: Se aplica con brocha o trapo, con el se puede obtener difuminado más preciso, delicado y sutil. 
   
   
   
   
4. Carboncillo: Consiste, básicamente, en ramas de sauce, vid o nogal  quemadas a temperatura controlada. Por tanto, el grafito es de origen mineral y el carboncillo de origen vegetal. Sus presentaciones son en carboncillo natural, comprimido, en lápiz o en polvo.

Lápices de grafito

Como hemos visto, los lápices de grafito son una mezcla de grafito puro y arcilla; el grafito como tal es una variedad de carbón cristalizado. 

Podemos destacar que: 

• A mayor porcentaje de arcilla, más dureza y menos oscuridad. 
• A mayor porcentaje de grafito, menos dureza y más oscuridad. 

El grado de dureza y oscuridad tienen un código que los distingue según la fabricación europea (los americanos usan otro código). Éste se encuentra impreso en la carcasa de madera y se conforma de letras y números. 

De esta manera, el 9H, por ejemplo, es el más duro y más claro y estas características van disminuyendo o aumentando a medida que el número baja, es decir, 8H, 7H, hasta llegar al H. Sigue la escala de grises progresando hacia el negro que es el 9B, que es también el más blando de todos. Esa segunda escala de semi grises comienza en el B, después 2B y así hasta el 9B. Justo en el centro de las dos escalas se encuentran el HB y el F que son el tono medio entre el gris más claro y duro (cerca del blanco) y el gris más oscuro y blando 9B. 

Escala tonal 

Se conoce como escala tonal a la gradación de calores entre un tono y otro desde el más claro hasta el más oscuro; pueden ser:

• Escalas acromáticas: de grises.
• Escalas monocromáticas: un solo color.
• Escalas policromáticas: varios colores. 

Otro concepto es valoración tonal, la cual se hace a partir del grado de contraste en una obra con clave mayor o menor. Se le llama mayor cuando además de los grises, están presentes los extremos de la escala que son el blanco y el negro puros. Es menor cuando están presentes el blanco o el negro (sólo uno de ellos) además de los grises. Cuando sólo se encuentran el negro y el blanco, se le llama escala en alto contraste.

Muchos artistas utilizan una escala de nueve tonos distintos de gris: 

Tinta china

Este tipo de tinta es de origen chino, como lo indica su nombre y era utilizada especialmente para plasmar caligrafía. Cuando su uso se extendió a Japón, se comenzó a utilizar para realizar dibujos. 

En la antigüedad, en Egipto y roma, se usaban plumas de caña para realizar dibujos y escribir sobre pergamino y papiro. Con el paso del tiempo la evolución de esa técnica se ha visto en el empleo de la pluma, pinceles, plumas de inmersión, plumas fuente y estilógrafos. 

La ventaja de esta técnica es la posibilidad de crear sombras y matices en distintas tonalidades y alternar el trazo continuo con algo que se conoce como grises falsos (ópticos), los cuales se logran superponiendo capas de tinta sobre papel, sin olvidar un aspecto muy importante y básico: la línea. 

La línea nos permite, con un solo trazo, reflejar alguna forma, incluso un concepto, sin necesidad de agregar detalles. Esto, claro, depende del manejo de la técnica para proyectar correctamente una idea.

Referencias:
http://viridianasalper.com/tinta-china-todo-lo-que-querias-saber/
http://valero7.webnode.es/tecnicas/materiales/

Elementos del arte

Esta primera entrada tratará sobre dos partes importantes y extensas del arte: sus elementos de creación y sus elementos de apreciación. Como este parcial estamos viendo Artes Plásticas, todo será relacionado con ese sector artístico.

Los elementos y principios básicos del diseño del arte son entendidos como las "herramientas" visuales que los artistas usan para crear una obra, es decir, son lo que constituye una imagen o un objeto de arte; una especie de <bloques de construcción>, utilizados para apreciar o crear una obra artística.

Los artistas manipulan estos elementos mezclándolos con los principios del diseño para componer una obra de arte. No cada obra tendrá contenidos todos estos elementos, pero tendrá al menos dos de ellos en su composición. Por ejemplo, un escultor debe tener forma y espacio en su escultura porque estos apelan a la tridimenionalidad del objeto artístico.  Un dibujante por ejemplo, utilizará la perspectiva y el sombreado para que su trabajo sea bidimensional.

Éstos son:

• Línea

La línea es la trayectoria de un punto móvil o la marca que existe entre dos puntos. Ya que la línea no es algo que podamos encontrar en la naturaleza tal cual, es absolutamente esencial como un concepto que nos ayuda a representar objetos, símbolos y definir formas. Puede ser de dos dimensiones, 1. como una marca de lapíz en el papel o 2. tridimensional (como un alambre) o implícita (línea punteada, línea creada por huellas).

Las líneas pueden ser verticales, horizontales, diagonales, paralelas, convergentes, curvas, espirales, punteadas, gruesas, delgadas, en zig-zag, etcétera.

Entendemos a la línea entonces, como el medio más sencillo de representación. Ésta por oposición al color, puede definir el contorno de las formas. En dibujo, por ejemplo, cuando línea predomina sobre lo pictórico, se habla de "arte lineal", como es el caso de Durero.

•  Figura y Forma

Figura se refiere a la zona que define los objetos en el espacio. Puede entenderse como el <<área>> que está enmarcada por la línea. Ésta puede ser geométrica u orgánica (formas naturales o libres).
Pueden tener dos dimensiones: bidimensional, dependiendo de su altura y anchura y son definidas por líneas (en inglés se conoce como shape).
Cuando la dimensión es tridimensional, hablamos de la Forma, ésta dependiendo de su largo, ancho y altura.

La figura tiene solamente altura y anchura. Puede ser, aunque no siempre, definida por líneas que proporcionen su contorno.
La forma tiene profundidad, así como también altura y anchura. La forma tridimensional es la base de la escultura, por ejemplo.

• Valor 

El valor describe la claridad del color dependiendo de su luminosidad, se puede entender como la cantidad de luz que se refleja desde una superficie.
Este es creado por la fuente de luz que brilla en un objeto y crea reflejos y sombras. El valor crea la profundidad de una imagen haciendo que un objeto se vea tridimensional por los tonos resaltados y la sombra, lo que significa que el valor está directamente relacionado con el contraste.
Un método que depende totalmente del valor es el claroscuro, el cual consiste en aplicar valor a un objeto bidimensional para crear la ilusión de ser una forma tridimensional. Este método fue usado durante el renacimiento italiano y usado por artistas como Leonardo Da Vinci y Rafael.

En este sistema de pintura la luz viene de una dirección predeterminada, así, la luz y la sombra se ajustan al dibujo.

• Espacio

El espacio en un dibujo o pintura bidimensional se refiere a la disposición de los objetos en un plano. El espacio como una forma de arte tridimensional se refiere al espacio de la escultura o la estructura arquitectónica. Recordemos que cuando un objeto tiene dos dimensiones se refiere a su alto y ancho, y cuando tiene tres dimensiones,a su alto, ancho y profundidad.
La creación de la perspectiva visual, que da la ilusión de profundidad es lo que se utiliza para crear un espacio.
La perspectiva es lo que revisamos en clase con la línea de horizonte y los puntos de fuga.

• Textura 

La textura es la cualidad de una supeerficie de poder ser vista o sentida. Es decir, la textura es una sensación de una superficie; puede ser lisa, áspera, suave, húmeda o desigual. Hay dos tipos de textura: la visual (implícita) y la que se puede tocar.

Puede ser utilizada en una obra de arte para:

1. Crear interés visual o focalizar una composición. 
2. Crear contaste dentro de una composición.
3. Ayudar a equilibrar visualmente una composición. 

• El último elemento es el color que será explicado cuando lleguemos a esa parte del dibujo. 

Referencias:
http://juliannakunstler.com/art1.php#.WKEbfvnhDIX
http://primerespacioartistico.blogspot.mx/2009/11/los-elementos-del-arte.html